Habe ich direkt nach dem zweiten Sehen noch vermutet, dass Cobb tatsächlich wieder in der Realität aufwacht, tendiere ich nun eher dazu, anzunehmen, dass er auch am Schluss noch träumt. Dass der Film in seiner Gesamtheit nichts anderes ist als ein Traum Cobbs. Nicht eine Szene ist hier wirklich real. Wie ich darauf komme?

- Der erzählerische Hintergrund der “Realität” ist traumhaft dünn. Die Technik des Dreamsharings wird nie erklärt. Nolan erklärt durch Ellen Pages Figur den halben Film hindurch die Methodik, so lange bis nach der Technik niemand mehr fragt.

- Der Hintergrund der globalen Super-Corporations ist erzählerischer Mist, der so doch höchstens in Videospielen durchgeht. Nolan weiß das nicht nur, Mal fragt Cobb sogar explizit in einer Sequenz, von der wir wissen, dass sie ein Traum ist, ob er wirklich glauben würde, dass diese Welt, in der er rund um den Globus verfolgt wird, real sei. Caines Figur sagt Cobb schon im ersten Filmdrittel, er möge in die Realität zurückkehren.

- Die Verfolgungsjagd in Mombasa. Natürlich akzeptiert man als routinierter Videospieler und Filmegucker, dass die Action in dieser Szene, die Geschwindigkeit, die Akrobatik, das Herumballern in der Menge, in der Realität gar nicht möglich wäre. Wir sind ja im Film. Aber Mombasa ragt auch innerhalb des Films heraus. Die Jagd ist unglaubwürdiger als praktisch alles, was bspw. in der James-Bond-Festung passiert. Das Feststecken zwischen zwei immer näher zusammenrückenden Wänden ist eine klassische Traumsequenz. Und natürlich taucht aus dem Nichts Saiko auf. Das ergibt wirklich nur im Traum Sinn.

- Wie stellt Cobb fest, ob er noch träumt? Er hat kein eigenes Totem. Er benutzt das Totem einer Person, die sich ziemlich sicher war, noch in einem Traum zu stecken.

- Totems dienen, wie ausdrücklich erklärt wird, nur dazu, festzustellen, ob man im Traum einer anderen Person steckt. Weil die natürlich nicht wissen kann, wie sich das Totem verhalten sollte. Wenn der ganze Film einzig ein Traum Cobbs wäre, könnte ein Totem ihm nicht verraten, ob er träumt oder nicht. Ob das Ding am Schluss umfällt oder nicht, ist bedeutungslos.

- Cobb betritt die verwüstete Hotelsuite, die seine Frau und er wohl schon seit Ewigkeiten jährlich buchen, geht ans Fenster und Mal sitzt ihm gegenüber! Warum?

- Cobb erklärt Ariadne, in Träumen würde alles ganz real erscheinen und erst nach dem Aufwachen würde man bemerken, was alles keinen Sinn ergeben hätte. Saikos plötzliches Auftauchen in Mombasa ist unlogisch, aber man kauft es Nolan ab, solange der Film läuft. Dass Mal am Fensterbrett gegenüber von Cobb sitzt statt auf seiner Seite, kauft man, obwohl es unlogisch ist. Man kauft sogar, dass Ellen Pages Figur, die hier nicht nur Labyrinthe baut, sondern dem Team am Ende aus dem Traum zu entkommen hilft, Ariadne heißt. Ja, genau wie die Frau, die Theseus half, aus dem Labyrinth des Minotaurus zu entkommen.

- Ein Punkt, für den Inception oft kritisiert wird: Bis auf Cobb sind sämtliche Charaktere blass. Und zwar nicht nur, weil sie keine Entwicklung durchmachen. Wir erfahren über die meisten handelnden Personen nichts. Gar nichts. Sie haben keine Geschichte. Das ist so offensichtlich, dass ich denke, dass die Kritik daran unangebracht ist, weil die Personen absichtlich blass sind. Außer Cobb, der das alles träumt, existiert hier niemand wirklich.

- Der gesamte Schluss ab dem Erwachen im Flugzeug ist als Traum inszeniert. Dominante Musik mit Anklängen an die Limbus-Szenen, Zeitlupen. Nicht nur sieht Cobbs Haus immer noch genauso aus wie zuvor im Traum. Seine Kinder sind, obwohl Jahre vergangen sein sollten seit dem Tod seiner Frau, immer noch genauso alt, sitzen in genau derselben Position im Garten, die er zuvor geträumt hat und tragen, wenn ich mich nicht allzu sehr irre, sogar dieselbe Kleidung wie zuvor im Traum.

Im Vorfeld hatte ich befürchtet, der Film könnte etwas langatmig werden, aber das war unberechtigt. Im Gegenteil, die schauspielerischen Leistungen hier sind derart famos, dass ich gerne noch ein paar mehr Interviewszenen gesehen hätte.

Nun in Public Enemies scheitert er nicht mal an einem Kollegen, denn Johnny Depp findet “seinen” Dillinger auch nicht so recht. Er scheitert an sich selbst und an einem unausgegorenen Drehbuch, das mehr Logiklöcher als gute Dialoge zu bieten hat. Und das bei einem Film, der zumindest zum Teil auf einer wahren Geschichte beruht.

Ein brauchbarer Film für einen DVD-Abend ist Public Enemies trotzdem, aber ich bedauere ganz sicher nicht, ihn damals im Kino verpasst zu haben.

Vor drei Tagen habe ich Das weiße Band – Eine deutsche Kindergeschichte endlich gesehen. Er geht mir nicht aus dem Kopf.

Der Film spielt in einem kleinen Dorf in Norddeutschland, kurz vor dem Ausbruch des ersten Weltkrieges. Der Dorflehrer als Ich-Erzähler schildert die “seltsamen Ereignisse, die sich in unserem Dorf zugetragen haben”, weil sie seiner Meinung nach “ein erhellendes Licht” auf “manche Vorgänge in diesem Land” werfen könnten. Das erscheint erst einmal unwahrscheinlich, weil nur wenige Handlungszweige das Dorf jemals hinter sich lassen. Letztendlich schafft der Film aber genau das.

Das weiße Band handelt von Autorität und Bestrafung und transportiert das auf trostlose und beklemmende Art und Weise. Bilder in schwarzweiß, mit langen Einstellungen aus festen Kamerawinkeln, mit nur wenigen Kamerafahrten oder Schwenks, vermitteln ein Gefühl der Enge. Zeitlich ausgedehnte Szenen mit wenigen oder manchmal gar keinen Worten. Nur Stille. Ebenso wichtig wie das, was gesagt und gezeigt wird, ist hier, was nicht gezeigt und von allen verschwiegen wird… Aber ich möchte nicht zu viel verraten, weil ich denke, dass Das weiße Band mit Abstand am eindrucksvollsten ist, wenn man nicht schon feuilletonverdorben vor dem ersten Anschauen weiß, was einen erwartet.

Mit dem Rest des Films ist es leider ähnlich. Das Wunderland sieht zwar nach Burton aus, aber es wirkt leblos, zu sehr wie digitale Kulisse. Handgemachte Kulissen passen zu Burtons Flair einfach besser als CGI. Schade, dass er selbst das anscheinend nicht so sieht.

Und die Figuren? Carrolls Vorlage enthielt verrückte Charaktere, derer man sich nie so ganz sicher sein konnte. Burtons Figuren haben bestenfalls einen kleinen Sprung in der Schüssel, bleiben davon abgesehen aber blaß. Sofort ist klar, wo jeder steht.

Wo ist die Gefahr? Wo ist das Wundersame? Wo ist das Geheimnis?

Was mir an dem Film allerdings am wenigsten gefällt, ist seine Aussage, dass harte Zeiten einen Dunklen Ritter erfordern, der munter durch die Gegend foltert und die Handynetze einer ganzen Stadt überwacht. Was mir nicht gefällt, ist die zum Schluss getroffene Aussage, dass die Wahrheit manchmal nicht gut genug für die Menschen sei. Was kann einem das als Zuschauer eigentlich nur sagen? Dass in Extremsituationen, also im Angesicht terroristischer Bedrohungen, ein Überwachungsstaat, der seine Bürger belügt und Verdächtige foltern lässt, in Ordnung geht, ja sogar notwendig ist?

Schade um die Handvoll Szenen, in denen das alte Indy-Feeling durchaus nochmal rüberkommt.

Den Trick, zu Beginn die entscheidende Wendung des Films nur in Ausschnitten zu zeigen, damit viele Fragen aufzuwerfen, dann den eigentlichen Film hindurch in einer einzigen gewaltigen Rückblende die Wissenslücken des Zuschauers zu füllen und zum Schluss die Szenen des Anfangs um ein paar letzte Puzzlestücke zu ergänzen, den Trick haben wir nun wirklich schon tausend Mal gesehen. Häufig besser als hier. Denn eine der Fragen, die Michael Clayton von Beginn an aufwirft, ist: “Was soll daran spannend sein?”

Magnolia schloss mit Aimee Manns Song Save Me: ” If you could save me, From the ranks of the freaks Who suspect they could never love anyone.” Plainview ist so eine Person. Der Hass auf seine Mitmenschen treibt ihn an. Glücklich wird er nicht durch Erfolg, sondern dadurch, dass allen anderen der Erfolg verwehrt bleibt. Gewinnen ist nicht wesentlich, er kann mit seinem Gewinn nicht einmal etwas anfangen. Wesentlich ist vor allem, dass die anderen verlieren!

Über 158 Minuten beschäftigt sich der Film in aller Ausführlichkeit mit Plainview, doch trotzdem bleibt der “Ölmann” bis zuletzt ein Rätsel. Zur Liebe scheint er unfähig. Nicht nur basiert sein Umgang mit seinem Adoptivsohn im Grunde nur auf Kosten-Nutzen-Rechnungen. Die Filmhandlung erstreckt sich über mehrere Jahrzehnte, aber es gibt zu keinem Zeitpunkt Anzeichen dafür, dass Plainview Kontakt zum oder irgendeine Art von Interesse am weiblichen Geschlecht hat.

Dieses Motiv von Hass als Triebfeder funktioniert nicht nur dank Day-Lewis’ herausragendem Schauspieltalent. Transportiert wird das Motiv zu einem erheblichen Teil durch die Musik. Was Johnny Greenwood da geschrieben hat, ist schief, brutal, verbissen, gewalttätig und tut weh in den Ohren. Es strotzt vor Kraft und Aggressivität.